Ver no browser

Clube de Tavira (Temporariamente)
R. da Liberdade, 23
8800-399 Tavira

19ª MOSTRA DE CINEMA AO AR LIVRE | OPEN AIR CINEMA > 2ª Parte de 1 a 11/08 !!

CONVENTO DO CARMO  | 21h30

Thu/qui — 1/08/2019 — 21h30

Burning

 
 

Drama - KR, 2018, M/12, 148 min. V.O. em Coreano/Legendado em Português/English Subtitles

Realização: Lee Chang-Dong 
Argumento: Lee Chang-Dong, Jungmi Oh (Conto: Haruki Murakami)
Fotografia: Kyung-Pyo Hong
Com: Yoo Ah In, Yeun Steven, Jun Jong-seo e Seong-kun Mun

Burning, do realizador coreano Lee Chang-Dong, inspirado no conto Os Celeiros Incendiados de Haruki Murakami, foi aclamado pela crítica no Festival de Cannes e considerado como um dos melhores filmes de 2018.

Jongsu é um jovem que se encontra casualmente com Haemi, uma amiga da infância. Praticamente quando a relação começa a arrancar, ela vai para África deixando-o a cuidar da sua gata. Quando ela regressa, Jongsu descobre que Haemi conheceu outro rapaz, um jovem rico, ao que ele não hesita em comparar com O Grande Gatsby. Pouco depois Haemi desaparece… 

Entre Faulkner e Murakami, Burning  tem um magnetismo difícil de explicar. Há um tom de suspense, mas do ponto de vista pessoal e introspectivo. Uma história de obsessão e incerteza, onde a vida dos personagens se desenvolve naturalmente. Depois de um tempo, é muito provável que a atmosfera de Burning nos regresse à cabeça.

2018: Festival de Cannes: Selecção Oficial, Prémio FRIPESCI
2018: National Board of Review (NBR):  Top dos 5 Melhores Filmes Estrangeiros
2018: Cahiers du Cinema: Nomeado para Melhor filme (4º lugar)
2019: IndieLisboa: Nomeado para Prémio Silvestre Melhor Longa-metragem

 

Burning is a film by the Korean director Lee Chang-Dong, based on the short story Barn Burning by Haruki Murakami. It received critical acclaim at the Cannes Film Festival and has been deemed one of the best films of 2018. 

Jongsu is a young man who stumbles upon Haemi, an old childhood friend who invites him out on a date. But just as the relationship is beginning to blossom, she departs for Africa, leaving him in charge of her cat. Upon her return, Jongsu finds out that Haemi has met another guy, a young and wealthy man that Jongsu likens to The Great Gatsby. Shortly thereafter, Haemi goes missing… 

Somewhere between Faulkner and Murakami, Burning has a magnetism that is hard to explain. There is a suspenseful tone, but from a personal and introspective point of view. This is a story of uncertainty and obsession, where the characters’ lives unfold naturally. The atmosphere of Burning will most probably be coming back to us for some time after seeing the film. 
 

2018: Festival de Cannes: Selecção Oficial, Prémio FRIPESCI
2018: National Board of Review (NBR):  Top dos 5 Melhores Filmes Estrangeiros
2018: Cahiers du Cinema: Nomeado para Melhor filme (4º lugar)
2019: IndieLisboa: Nomeado para Prémio Silvestre Melhor Longa-metragem

IMDB Logo Youtube Logo

Fri/sex — 2/08/2019 — 21h30

Fahrenheit 11/09

 
 

Documentário - US, 2018, M/12, 130 min. V. O. em Inglês/Legendado em Português 

Realização e Argumento: Michael Moore
Fotografia: Luke Geissbuhler, Jayme Roy
Com: Michael Moore, David Hogg

Michael Moore, grande realizador de documentários, vencedor de um Óscar por Bowling for Columbine e a Palma de Ouro por Fahrenheit 9/11, retrata uma vez mais a realidade sociocultural dos EUA e o momento político que o país vive neste momento.

O título Fahrenheit 11/9 faz referência ao seu aclamado documentário Fahrenheit 9/11 pela data na qual Donald Trump foi declarado presidente eleito, a 9 de Novembro de 2016. Michael Moore retrata a eleição presidencial de 2016 e os dois primeiros anos de mandato do presidente, tentando responder às duas questões mais importantes da era Trump: “Como diabo chegámos nós aqui?” e “Como é que saímos?" 

Moore espera que os factos mostrados no seu documentário sejam tão devastadores que o filme contribua para minar a credibilidade que Trump tem entre os seus seguidores. 

2018: Writers Guild Awards (WGA): Nomeado Melhor Argumento de Documentário
2018: Prémios Razzie - Pior Actor (Trump)

 

 Michael Moore, the documentary filmmaker who won an Oscar for Bowling for Columbine and the Palme d'Or for Fahrenheit 9/11, once again portrays the socio-cultural reality of the United States and the political moment the country is experiencing at the moment.

The title Fahrenheit 11/9 refers to his acclaimed documentary Fahrenheit 9/11 by the date on which Donald Trump was declared president-elect on 9th November 2016. Michael Moore portrays the 2016 presidential election and Trump's first two years in office trying to answer the two most important questions of the Trump era: "How the hell did we get here?" and "How do we get out?". 

Moore hopes that the facts shown in his documentary will be so devastating that the film will contribute to undermine the credibility that Trump has among his followers.

2018: Writers Guild Awards (WGA): Nomeado Melhor Argumento de Documentário
2018: Prémios Razzie - Pior Actor (Trump)

IMDB Logo Youtube Logo

Sat/sáb — 3/08/2019 — 21h30

Synonymes

 
 

Drama - Fr/IL, 2019, M/14, 123 min. V. O. em Francês, Inglês e Hebraico/Legendado em Português/English Subtitles

Realização: Nadav Lapid
Argumento: Nadav Lapid, Haim Lapid 
Fotografia: Shai Goldman
Com: Tom Mercier, Quentin Dolmaire, Louise Chevillotte

O drama migratório incomum do co-argumentista e realizador israelita Nadav Lapid segue Yoav (Tom Mercier), um jovem israelita determinado a apagar sua identidade nacional e tornar-se francês. Com a ajuda de um dicionário franco-israelita, ele resolve parar de falar hebraico, deixar para trás o seu passado conturbado e fazer o teste de naturalização.

Lapid apresenta variantes da identidade israelita em conflito, dando continuidade à investigação temática realizada nos seus dois primeiros filmes, Policeman e The Kindergarten Teacher. Ao colocar Synonyms fora de Israel, Lapid introduz pela primeira vez uma dimensão internacional explícita. Yoav imagina a França como uma utopia, cujos valores igualitários fundamentais - liberdade, igualdade, fraternidade - e estrita separação entre a Igreja e o Estado são o oposto dos valores de Israel.

Nadav Lapid continua a exibir uma mistura singular de intensidade e absurdo, bem como uma atenção distinta à arte cinematográfica. Trabalhando novamente com Shai Goldman (Director de Fotografia), ele cobre cenas inteiras com longos e médios close-ups, enquanto 'empurra' os personagens (e o espectador) até ao ponto de ruptura.

2019: Berlin International Film Festival: Urso de Ouro - Melhor Filme, Prémio FRIPESCI
2019: Sydney Film Festival: Nomeado Melhor Filme

 

Israeli co-writer/director Nadav Lapid's unusual migration drama follows Yoav (Tom Mercier), a young Israeli man who is determined to erase his national identity and become French. With the help of a Franco-Israeli dictionary, he resolves to stop speaking Hebrew, put his troubled past behind him and ace his upcoming naturalisation test.

Lapid presents variants of embattled Israeli identity, continuing the thematic investigation conducted in his first two features, Policeman and The Kindergarten Teacher. By setting Synonyms outside of Israel, Lapid introduces an explicit international dimension for the first time. Yoav imagines France as an utopia, whose core egalitarian values – liberté, égalité, fraternité – and strict separation of church and state are the opposite of Israel’s

Lapid continues to exhibit a singular blend of intensity and absurdity, as well as a distinct attention to cinematic craft. Working once again with cinematographer Shai Goldman, he covers entire scenes in lengthy medium close-ups that serve to heighten the constant sense of claustrophobia, pushing the characters (and the viewer) to the breaking point

2019: Berlin International Film Festival: Urso de Ouro - Melhor Filme, Prémio FRIPESCI
2019: Sydney Film Festival: Nomeado Melhor Filme

IMDB Logo Youtube Logo

Sun/dom — 4/08/2019 — 21h30

La macchina ammazzacattivi

 
 
 

Para Roberto Rossellini, este é o seu filme mais original.  La macchina ammazzacattivi descobriu-se há poucos anos, depois de ter sido restaurada. Rosselini baseia-se no neorrealismo ou no realismo como ponto de partida, para então encontrar um caminho próximo à fábula, a partir de um texto de Eduardo de Filippo. Rossellini permite espaço para a fantasia, ainda que mantenha a improvisação respeitante ao guião, a rodagem documental de cenas reais despojadas de artifícios cinematográficos e a genuína mistura de actores profissionais com actores amadores no elenco dos seus filmes. 

Um modesto fotógrafo de uma pequena cidade costeira recebe de um estranho personagem — que lhe aparece apresentando-se como Santo André — o dom de petrificar qualquer pessoa ao tirar a sua fotografia. Celestino, assim se chama o fotógrafo, institui-se deste modo como uma espécie de justiceiro que decide indiscriminadamente sobre o bem e o mal. Celestino perde o controle da máquina: agora é ela quem o domina.    

Uma fábula sobre a desconfiança no poder da câmara (ou do cinema) para reproduzir a vida.

 

Roberto Rossellini considered it his most original film. La macchina ammazzacativi has recently been rediscovered, following its restoration. Rossellini takes neo-realism or realism as a starting point, only to find a path closer to a fable, based on a text by Eduardo De Filippo. Rossellini gives way to his fantasy, while maintaining the improvisation regarding the script, the documentary-style shooting of real scenes stripped of cinematic artifice and the genuine mix of professional actors and amateurs that characterizes his films. 

A modest photographer from a small coastal town meets a strange character – who introduces himself as Saint Andrew, and bestows upon him the gift of petrifying any person whose picture he takes. Celestino, for that is the photographer’s name, thus establishes himself as a sort of vigilante who decides what is good and what is evil at will. But Celestino loses control of the camera; now it dominates him. 

A fable about the mistrust of the power of the camera (or cinema) to reproduce life. 

IMDB Logo Youtube Logo

Mon/seg — 5/08/2019 — 21h30

First Reformed

 
 

Drama, Thriller - US, 2017, M/16, 133 min. V.O. em Inglês/Legendado em Português

Realização e Argumento: Paul Schrader 
Fotografia: Alexander Dynan
Com: Amanda Seyfried, Ethan Hawke, Cedric the Entertainer, Victoria Hill

Toller (Ethan Hawke) é um ex-capelão militar que, após a morte do seu filho, decide assumir as rédeas de uma pequena igreja calvinista, First Reformed, onde quase ninguém vai e que cumpre uma função mais turística que religiosa. Até que aparece Mary a pedir ajuda para o seu marido, um ecologista radical que está a passar por uma profunda crise.

Schrader sempre sentiu uma predilecção pelo cineasta francês Robert Bresson. Portanto, não é de estranhar que ele tenha voltado a uma das principais obras daquele realizador, Diário de um Pároco de Aldeia. Também tem muito em comum com A Luz de Inverno (Os Comungantes) de Bergman. Um Ozu nos silêncios, nas breves meditações intercaladas na película do filme. E como não podia ser menos, temos o capelão Toller, eco de Travis do argumento do próprio Schrader para Taxi Driver.   
 
Com elementos de suspense e uma consistência formal realista, First Reformed está cheio de fugas e mudanças inesperadas. Um filme alegremente contra corrente que lida, entre outras coisas, com a solidão, a espiritualidade e a ameaça das alterações climáticas.

2018: Prémios Gotham: Prémio Melhor Argumento, Melhor Actor 
2018: Toronto Film Critics Association Awards: Prémio Melhor Actor, Prémio Melhor Argumento Original
2019: Óscar: Nomeado Melhor Argumento Original
 

 

Toller (Ethan Hawke)  was a military chaplain who, after the death of his son, decides to take over the reins of a small Calvinist church, First Reformed, where almost no one goes and which fulfils a more touristic than religious function. Until Mary appears to ask for help for her husband, a radical ecologist who is going through a deep crisis.

Schrader has always felt a predilection for French filmmaker Robert Bresson. It is not surprising, therefore, that he has returned to one of the principal works of that director, The Diary of a Country Priest. He also has a lot in common with Bergman's Winter Light. An Ozu in the silences, in the brief meditations interspersed during filming. And as it couldn't be less, we have the chaplain Toller, echoed by Travis of Schrader's own argument for Taxi Driver.   
 
With elements of suspense and a realistic formal consistency, First Reformed is full of uncoverings and unexpected changes. A cheerfully counter-current film that deals, among other things, with loneliness, spirituality and the threat of climate change.

2018: Prémios Gotham: Prémio Melhor Argumento, Melhor Actor 
2018: Toronto Film Critics Association Awards: Prémio Melhor Actor, Prémio Melhor Argumento Original
2019: Óscar: Nomeado Melhor Argumento Original
 

IMDB Logo Youtube Logo

Tue/ter — 6/08/2019 — 21h30

Le Livre D'Image

 
 

Drama - CH/FR, 2018, 84 min. M/14 - V. O. em Francês e Inglês/Legendado em Português/ English Subtitles

Realização e Argumento: Jean-Luc Godard 
Fotografia: Fabrice Aragno 
Com: Jean-Luc Godard (Narrador), Anne-Marie Miéville (Narrador), Dimitri Basil

A mais recente e prolífica obra de Jean-Luc Godard, O Livro da Imagem, é o ápice do seu cinema de simbolismo e colagem. Não há actores. No máximo, ouvimos a voz eloquente e introspectiva de Godard, hoje com 88 anos, narrando o filme e refletindo sobre o nosso tempo, humanidade, sociedade e cinema. 

Para Godard, o cinema é o livro das imagens do século passado e do século de hoje; a documentação da história moderna e contemporânea. Através do Livro da Imagem, Godard convida-nos a reflectir sobre a história e constrói uma viagem numa colagem incessante de imagens e sons que permeiam a história da arte nas suas mais diferentes formas. Colando cenas de filmes, de reportagens, de vídeos caseiros e mesmo de desenhos, o cineasta aborda as funções do tempo e do espaço, utilizando em particular o caso das imagens sobre o mundo árabe e como elas são percebidas pelo mundo ocidental. É o trabalho de um cineasta que reflecte sobre o passado, sobre os seus filmes e os filmes do seu tempo - enquanto olha adiante, para as mudanças radicais que virão no cinema e no mundo em geral.

2018 : Festival de Cannes: Palma de Ouro Especial 
2018: International Cinephile Society Awards: Grande Prémio

 

The prolific Godard's newest work, The Image Book, is the apex of his cinema of symbolism and collage. There are no actors. At most, we hear Godard's eloquent and introspective voice, now with 88 years old, narrating the film and reflecting on our time, humanity, society and cinema.

For Godard, cinema is the book of images of the last and today's century; the documentation of the history of modernity and contemporaneity. Through The Image Book, Godard invites us to reflect on history, and it builds a journey in an incessant collage of images and sounds that permeate the history of art in its most different forms. Pasting scenes from films, reports, home videos and even drawings, the filmmaker approaches the functions of time and space, using in particular the case of images about the Arab world and how they are perceived by the western world. It’s the work of a filmmaker who’s looking back at his films and the films of his time -- and looking ahead to radical changes to come in the cinema and in the world at large.

2018 : Festival de Cannes: Palma de Ouro Especial 
2018: International Cinephile Society Awards: Grande Prémio

IMDB Logo Youtube Logo

Wed/qua — 7/08/2019 — 21h30

Lazzaro Felice
Happy as Lazzaro

 
 

Drama - IT/CH/DE/FR, 2018, M/12, 125 min. V. O. em Italiano/Legendado em Português/English Subtitles

Realização e Argumento: Alice Rohrwacher
Fotografia: Helene Louvart
Com: Adriano Tardiolo, Luca Chikovani, Alba Rohrwacher, Sergi López

Alice Rohrwacher, realizadora de O País das Maravilhas (2014), regressa com um filme que mistura o neorrealismo, a magia e a crítica social. 

Lázaro, um jovem camponês de uma bondade excepcional, vive na La Inviolata, uma aldeia que permaneceu isolada do mundo e é controlada pela Marquesa Alfonsina de Luna. Um verão, ele torna-se amigo de Tancredi. Entre eles surge uma amizade que faz com que Lázaro viaje no tempo e que o leva a conhecer o mundo actual. 

É O Idiota de Dostoiévski. Um personagem sábio e que, neste caso, não tendo perdido o  conhecimento da sua vida passada, é o único que sabe reconhecer os diferentes tipos de plantas. Um piscar de olho, sem dúvida, a Os Respigadores e a respigadora de Agnès Varda.

2018: Festival de Cannes: Melhor Argumento (ex aequo)
2018: Prémios do Cinema Europeu: 4 nomeações (incluindo Melhor Filme)
2018: Festival de Sitges: Prémio Especial do Júri, Secção Oficial em Competição 
2018: National Board of Review (NBR): Melhor Filme Estrangeiro do Ano 

 

Alice Rohrwacher, director of Alice in Wonderland (2014), returns with a film that mixes neo-realism, magic and social criticism. 

Lazarus, a young peasant of exceptional kindness, lives in La Inviolata, a village that has remained isolated from the world and is controlled by Marquesa Alfonsina de Luna. One summer, he becomes a friend of Tancredi. Between them rises a friendship that makes Lazarus travel in time and takes him to know today's world. 

It's Dostoevsky's The Idiot. A wise character who, in this case, not having lost the knowledge of his past life is the only one who knows how to recognize the different types of plants. A wink, no doubt, to Les Glaneurs et la glaneuse by Agnès Varda.

2018: Festival de Cannes: Melhor Argumento (ex aequo)
2018: Prémios do Cinema Europeu: 4 nomeações (incluindo Melhor Filme)
2018: Festival de Sitges: Prémio Especial do Júri, Secção Oficial em Competição 
2018: National Board of Review (NBR): Melhor Filme Estrangeiro do Ano 

IMDB Logo Youtube Logo

Thu/qui — 8/08/2019 — 21h30

Transit

 
 

Drama - DE/FR, 2018, M/12, 101 min. V. O. em Alemão e Francês/Legendado em Português/English Subtitles

Realização: Christian Petzold
Argumento: Christian Petzold (Romance: Anna Seghers)
Fotografia: Hans Fromm
Com: Franz Rogowski, Paula Beer, Godehard Giese 
 

Baseado livremente no romance de Anna Seghers de 1944. Como em Visa Transit, o filme justapõe passado, presente e futuro. O filme acompanha Georg, um técnico de rádio e televisão alemã, refugiado ilegalmente em França, que recebe de um parceiro a missão de entregar duas cartas a um escritor em Paris. Georg descobre que o escritor cometeu suicídio e que deixou um romance inacabado, um episódio que nos lembra a trágica morte de Walter Benjamin em 1940, também em França. As circunstâncias constrangedoras levam Georg a fazer-se passar pelo escritor falecido para obter um visto e fugir para o México. 

A particular característica atemporal da história é uma declaração evidente diante de questões políticas e sociais que ainda se encontram em vigor.

No ano passado abrimos a Mostra com Western, da colega de Petzold na “Escola de Berlim”, Valeska Grisebach, com outro ponto de vista menos metafórico, mas igualmente crítico de uma Europa e um mundo que força a mobilidade geográfica e a marginalidade, o que propicia um tipo de relações que não se chegam a desenvolver com fluidez.

2018: Festival de Berlim:  Selecção Oficial de longa-metragens em competição 
2018: BAFICI:  Selecção Oficial (Fora de Concurso) 
2018: Prémios do Cinema Alemão: Nomeada Melhor Filme, Melhor Som 

 

 

This film is loosely based on the eponymous 1944 novel by Anna Seghers. As in the book, the film juxtaposes past, present and future. We follow Georg, a technician for German radio and television and an illegal refugee in France, who is given, by a partner, the mission to deliver two letters to a writer in Paris. Georg discovers that the writer has committed suicide and left an unfinished novel, which brings to mind Walter Benjamin’s tragic death in 1940, also in France. The sinister circumstances lead Georg to impersonate the late writer in order to get a visa and escape to Mexico. 

The particular timeless character of the story takes a clear stance towards social and political issues that are still current.

Last year we opened Mostra with Western, a film by Petzold’s fellow student at the “Berlin School”, Valeska Grisebach, which showed another point of view, less metaphoric but equally critical of a Europe and a world that forces people into geographical mobility and marginality, thus encouraging types of relationships that do not develop fluidly.

2018: Festival de Berlim:  Selecção Oficial de longa-metragens em competição 
2018: BAFICI:  Selecção Oficial (Fora de Concurso) 
2018: Prémios do Cinema Alemão: Nomeada Melhor Filme, Melhor Som 

 

IMDB Logo Youtube Logo

Fri/sex — 9/08/2019 — 21h30

LETO

Verão
 

Biografia, Música, Romance - RUS, 2018, M/12, 126 min. V. O. em Russo/Legendado em Português/English Subtitles

Realização: Kirill Serebrennikov 
Argumento: Mikhail Idov, Lili Idova, Iván Kapitonov, Kirill Serebrennikov
Fotografia: Vladislav Opelyants
Com: Teo Yoo, Irina Starshenbaum, Roman Bilyk

O cineasta russo Kirill Serebrennikov (The Student) regressa ao grande ecrã com uma homenagem aos primeiros anos do rock russo. Leto (Verão) coloca-nos nos meandros do rock underground, em Leningrado, nos anos 80, inserindo-se num clima em que a mudança é pedida mas também sentida.

Um rockstar aclamado, Mike (Roman Bilyk), luta para promover o rock na decadente União Soviética, quando outro músico, Viktor Tsoi (Tee Yoo), surge como um novo talento promissor. Surge então um triângulo amoroso em torno destas duas personagens e a mulher de Mike, Natasha (Irina Starshenbaum). Juntos, eles vão mudar a trajetória do rock n'roll na União Soviética.

No fundo, esta é uma história de músicos que lidam com várias camadas de frustração - cultural, artística, pessoal - mas que conseguem superar-se, de uma forma ou de outra. 
Na maior parte das vezes, Leto é filmado num preto e branco lustroso que às vezes pode parecer arenoso, mas na maioria das vezes transforma Leto num devaneio sobre rock 'n' roll, funcionando como uma história mais universal de luta e de sonhos. 

2018: Festival de Cannes: Melhor Compositor; Nomeado Palma de Ouro 
2019: Russian Guild of Film Critics: Melhor Realizador, Melhor Compositor
2019: Nika Awards: Melhor Realizador, Descoberta do Ano (Roman Bilyk) 

 

Avant-garde Russian filmmaker Kirill Serebrennikov (The Student) returns to the big-screen with a tribute to the early years of Russian rock. Leto puts us in the underground rock scene, in Leningrad, during the 1980's, setting itself in a climate where change is asked but also felt.
A confirmed rock star, Mike (Roman Bilyk), struggles to promote rock music in the declining Soviet Union, when another musician, Viktor Tsoi (Tee Yoo), arises as a new promising talent. Then, a love triangle emerges around these two characters and Mike's wife, Natasha (Irina Starshenbaum). Together with friends, they will change the trajectory of rock n'roll music in the Soviet Union.
At heart, this is a story of musicians who are dealing with several layers of frustration — cultural, artistic, personal — but manage to break through, one way or another. 
Serebrennikov doesn’t go full glam with the film,. For the most part, Leto is shot in lustrous black and white that can seem gritty at times but more often turns the film into a rock ‘n’ roll reverie, working as a more universal story of striving and rock and roll dreams.

2018: Festival de Cannes: Melhor Compositor; Nomeado Palma de Ouro 
2019: Russian Guild of Film Critics: Melhor Realizador, Melhor Compositor
2019: Nika Awards: Melhor Realizador, Descoberta do Ano (Roman Bilyk) 

IMDB Logo Youtube Logo

Sat/sáb — 10/08/2019 — 21h30

Shoplifters

 
 

Crime, Drama - JP, 2018, M/14, 120min. V. O. em Japonês/Legendado em Português/English Subtitles

Realização e Argumento: Hirokazu Koreeda 
Fotografia: Ryuto Kondô 
Com: Lily Franky, Sakura Andô, Kirin Kiki

Galardoado com a “Palma de Ouro” no Festival de Cannes (2018), Shoplifters, de Hirokazu Koreeda, apresenta-nos uma família que vive à margem do resto da sociedade japonesa. Shoplifters é um filme brilhante e audacioso, intenso e surpreendente, um dos melhores de Koreeda. Muito devido às brilhantes performances do elenco, o resultado é um drama gratificante e profundamente comovente, revivendo temas de filmes anteriores como Nobody Knows (2004) e Like Father Like Son (2013). 

Apesar de toda a sua gentileza e calmaria, Shoplifters tem uma visão devastadoramente clara sobre o Japão moderno. Usualmente, o cinema japonês mostra-nos duas sociedades possíveis. Uma é bastante avançada, onde as pessoas vivem comodamente tirando proveito da tecnologia e do capitalismo. A outra retrata o mundo do crime organizado, onde ninguém parece dedicar-se aos delitos por fome. Por isso, Shoplifters surpreende mostrando com naturalidade as penúrias de uma classe trabalhadora que arduamente ganha aquilo que necessita para sobreviver, sem precisar de romantizar a pobreza nem tão pouco a delinquência. 

As lentas revelações, as interacções naturais e o espaçamento prudente entre o choque e a surpresa são prova de que este mestre cineasta está em perfeita sintonia com os seus desígnios e a sua arte.

 

2018: Festival de Cannes: Palma de Ouro

 

Winner of the “Palme d'Or” at the 2018 Cannes Festival, Shoplifters, by Hirokazu Koreeda, presents us with a marginalised family that lives on the fringes of the rest of Japanese society. Shoplifters is a brilliant and audacious film, intense and surprising, one of the best in Koreeda. Much due to the brilliant performances of the cast, the result is a gratifying and deeply moving drama, reliving themes from previous films such as Nobody Knows (2004) and Like Father Like Son (2013). 

Despite all its kindness and calmness, Shoplifters has a devastatingly clear view of modern Japan. Usually, Japanese cinema shows us two possible societies. One is quite advanced, where people live comfortably taking advantage of technology and capitalism. The other portrays the world of organized crime, where no one seems to dedicate himself to hunger crimes. For this reason, Shoplifters surprises by showing naturally the shortages of a working class that hardly earns what it needs to survive, without having to romanticize poverty or delinquency. 

The slow revelations, the natural interactions and the prudent spacing between shock and surprise are proof that this master filmmaker is in perfect harmony with his designs and his art.

 

2018: Festival de Cannes: Palma de Ouro

IMDB Logo Youtube Logo

Sun/dom — 11/08/2019 — 21h30

A portuguesa

Filme apresentado pela realizadora Rita Azevedo Gomes
 

 

Drama - PT,  2018, M/12, 136 min. V. O. em Português e Alemão/English Subtitles

Realização e Argumento: Rita Azevedo Gomes
Adaptação e Diálogos: Rita Azevedo Gomes, Agustina Bessa-Luís (Conto: Robert Musil)
Fotografia: Acácio de Almeida
Com: Clara Riedenstein, Marcello Urgeghe, Rita Durão, Pierre Léon

Em conjunto com a célebre e recentemente falecida escritora Agustina Bessa-Luís, Rita Azevedo Gomes adapta o segundo dos três contos que Robert Musil escreveu no livro Três Mulheres (1924). Esta história segue os dias de uma nobre lusa (Clara Riedenstein) que, depois de se casar com o barão Von Ketten (Marcello Urgeghe), permanece à espera do marido no castelo até ao final da guerra contra o bispo de Trento.

Da história de Musil surge a inspiração, a atmosfera do filme, mas à diferença do conto, o filme coloca o foco da história na vida da portuguesa, numa espera sem termo. Há uma estranha beleza no tempo parado; cenas como naturezas-mortas e pinturas flamengas. Não por estar suspensa, senão pelo facto de estar à espera, a batalha da portuguesa pode ser muito mais devastadora que a guerra do barão Von Ketten.

2018: Festival Mar del Plata: Selecção Oficial
2019: Festival de Berlim: Selecção Oficial - Forum

2019: Festival Internacional de Cinema de Las Palmas de Gran Canária: Prémio "Lady Harimaguada" de Ouro

 

Rita Azevedo Gomes, together with the famous writer Agustina Bessa-Luís, adapts the second of three short stories that Robert Musil wrote in the book Three Women (1924). This story follows the days of a noble portuguese woman (Clara Riedenstein) who, after marrying Baron Von Ketten (Marcello Urgeghe), remains in the castle waiting for her husband until the end of the war against the bishop of Trento.

From Musil's story comes the inspiration, the atmosphere of the film, but the focus, in the film, is placed on the stagnant life of the noble portuguese woman. The beauty of still time; paintings such as still lifes and Flemish paintings. However, and not because it's stopped, but because it's waiting, the battle of the portuguese can be much more devastating than the war of Baron Von Ketten.

2018: Festival Mar del Plata: Selecção Oficial
2019: Festival de Berlim: Selecção Oficial - Forum

2019: Festival Internacional de Cinema de Las Palmas de Gran Canária: Prémio "Lady Harimaguada" de Ouro

IMDB Logo Youtube Logo
 
logo_tavira_bw.pnglogo_mc_drcalg_h_bw.pnglogo_ciencia_viva.png
ozadi.pngkozii-mainlogo_maincolor_white_CMYK.pngMeiapag_Algarvila_v2.pngMeiapag_ML_Solicitadora.pngdesiespaco.pngvillas_sequa.png2_Casa das Portas.JPGFarmácia Sousa.pngNodeGostoLogotipo final.jpgeduardo_reis-1.pnglogo_cor_sat25.pngafm_logo.pngPOLICAREbranco (1).pngalgarve-residence_02.pnggeojardim.pngibex.pngjacaranda.pngEolis logo mostras (1).jpglogotipo só Arquitecta Aida  autocad (1)-1 (2).pngmonte_alamo.pnglogotipo-pedro-rogado#01web.png